Crítica por Oscar Navales
“La Jetée” es, junto a “Alphaville” (Idem, 1965), de Jean-Luc Godard, “Je T´aime, Je T´aime” (Idem, 1968), de Alain Resnais” y otros títulos de los años 60, la prueba aportada por varios cineastas franceses de que un cine de ciencia ficción (en realidad apuntaron a cualquier tipo de cine con muchas otras películas) diferente era posible. En un cine como el actual, en el que los cineastas de todo el mundo parecen haber fusionado su forma de entender el lenguaje audiovisual despojándolo de señas de identidad culturales propias, recuperar un título como “La Jetée” es prácticamente obligatorio, y además es capaz de marcar con rotundidad la diferencia con cualquier otra película. El film, al igual que los otros citados, es francés hasta la médula.
De entrada, decir que la película está compuesta no por imágenes en movimiento (la esencia del cine) sino por fotografías, y que estas se acompañan de una voz en off, música, sonidos, etc. Por supuesto, que Marker conciba su película con imágenes fijas no significa que descuide todo lo relativo a la fotografía, el atrezzo, los encuadres, los efectos de montaje y otros significativos elementos del lenguaje del cine.
El protagonista del film sufre “el efecto Cassandra”, es decir, tiene la capacidad de predecir la tragedia, pero en modo alguno evitarla, y sobre este “círculo” construye Marker la estructura del film: el final y el inicio se erigen sobre un mismo momento, el protagonista en un aeropuerto, de niño, testigo de una imagen que marcará su memoria: una mujer.
La Memoria y el Tiempo son los temas centrales de la película; alrededor de ellos orbita el tema del Amor, que Marker concibe como la fuerza capaz de salvar al ser humano ( y en esto coincide plenamente con los otros títulos citados, que comparten igual gusto por el Amor como fuerza positiva en el mundo).
La película “Vertigo” (Vertigo, 1958) (un film construido no en círculo pero sí en espiral, por lo que su elección no es gratuita en modo alguno), de Alfred Hitchock, es utilizada por Marker para dotar a algunas secuencias de “La Jetée” de un sentido muy especifico cercano a sus pretensiones. En concreto retoma dos secuencias de la película de Hitchcock: la secuencia de la floristería, con Jeffrey observando a Madeleine desdoblada gracias a un espejo; y por otro lado la secuencia en el bosque de secuoyas, con Madeleine creando un momento poderosamente onírico al referirse a su posible nacimiento en uno de los círculos del tocón de uno de los árboles centenarios, expuesto junto a letreros que marcan el devenir histórico de EE.UU.
El primer momento citado (el desdoblamiento en el espejo) sirve a Marker para dotar a la chica de “La Jetée” de carácter ilusorio: es un espejismo, un ideal, y como tal es inalcanzable.
El segundo tiene una función más importante relacionada con el tema del Tiempo: el breve instante del nacimiento de la chica reflejado en las líneas del tocón, que abarcan decenas de años de existencia, viene a ser la manera de expresar que somos motas de polvo perdidas en el infinito. En este mismo sentido Marker crea la extraña secuencia del museo de animales disecados o recreados: un museo de la vida (pasada, en muchos casos ya extinguida) de la tierra. Un momento cargado de funestas connotaciones para un hombre que viene de un futuro devastado dónde miles de personas han muerto haciendo peligrar el futuro de la especie.
A la hora de recrear un posible futuro, a Marker le vale con sencillos efectos fotográficos, un vestuario, una señal en la frente de un pesonaje o unas gafas que doten a un actor de un aspecto entre siniestro y sofisticado. El sonido es otro de sus aliados imprescindibles: el sonido ensordecedor de un avión, voces que susurran en un frío futuro, etc.
Como oposición radical al Apocalipsis causado por el ser humano, Marker opone la imagen del Amor, la única capaz de generar esperanza, y por eso el director se permite un momento capaz de oponerse a la ausencia de movimiento de la imágenes fijas: una imagen de la chica fotografiada en varios momentos congelados de un mismo movimiento perezoso en una mañana luminosa, que gracias a los fundidos encadenados entre los diversos saltos en el movimiento, crea la ilusión de progresivamente ir adquiriendo movimiento real, hasta finalmente restituir la imagen cinematográfica: 24 imágenes por segundo. La única imagen de vida en un mundo muerto.
Terry Gilliam dirigiría a mediados de los noventa una especie de remake declarado, “Doce Monos”, que en modo alguno alcanzó la calidad y inventiva del original, pese a tener algunos momentos interesantes.
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