Habrá que espera...
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| Cobertura Especial Festival de Sitges 2010 |
| Días 4, 5 Y 6 |
| Días 7, 8, 9 y 10 |
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DÍA 1, JUEVES 7 DE OCTUBRE
Hoy 7 de Octubre, da comienzo una nueva edición del Festival de Sitges 2010. La cinta elegida para inaugurar el certamen de este año es la esperada "Los ojos de Julia", que contará con el correspondiente Pase de prensa y Photocall al que asistirán parte del equipo, como el director Guillermo Morales y la actriz Belén Rueda entre otros. "Chatroom" es otra de las propuestas para el día de hoy, último trabajo del director japonés Hideo Nakata, quien adapta una obra teatral escrita por Enda Walsh. Hoy también es el día elegido para el estreno en primicia del documental "El hombre que vió llorar a Frankenstein" dirigido por Angel Angulo. El documental repasa la vida de Paul Naschy, la leyenda del fantaterror español e icono internacional del cine de terror. "La Sombra Prohibida" de José Luis Alemán, continuará la historia que el mismo realizador empezara el año pasado con "La Herencia Valdemar". Otros títulos que podrán verse mañana son la coreana "Possessed" o la polémica "The Life and Death of a Porno Gang".
Aunque la película más popular de las proyectadas a lo largo de la primera jornada del 43 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya es, indudablemente, Los ojos de Julia, el nuevo film del realizador Guillem Morales, quien debutó en el terreno del largometraje el año 2004 con El Habitante incierto, este corresponsal ha decidido posponer el visionado del film a cuando tenga lugar su estreno comercial en España: el 29 de octubre.
Dejando de lado la cinta de Morales, el primer film que he visionado en Sitges ha sido Possessed (Bool-sin-ji-ok, 2009) film de Corea del Sur dirigido por el debutante Lee Yong-Joo, ex-colaborador de Bong Joon-ho, notable realizador del mismo país (Memories of Murder, The Host, Mother). La película de Lee Yong-Joo resulta atractiva durante aproximadamente una hora de su metraje, durante el cual suman positivamente varios elementos de la obra: la sobriedad narrativa por la que opta Lee, quien emplea un tempo pausado pero no moroso que le permite obtener una atmósfera crecientemente inquietante y sugerente, partiendo de una base de lo más sencilla: la joven Hee-Jin vuelve a casa cuando un llamada la alerta de la desaparición de su hermana pequeña. La madre de ambas, una fanática religiosa, insiste en asegurar que solo las oraciones podrán devolver a la pequeña, pero un policía intervendrá en el caso descubriendo conforme progresa en su investigación las extrañas implicaciones que tiene la desaparición de la niña. Lo aparentemente sobrenatural irá penetrando en la realidad cotidiana de los personajes implicados en el caso. A lo dicho hace un instante cabe sumar la talentosa puesta en escena del realizador, quien parece ser consciente del valor dramático que deben atesorar los cambios de plano o de ángulo de cámara (merece la pena mencionar el plano que introduce el tono sobrenatural en el film: el policía que investiga el caso interroga a un hombre del vecindario acerca del comportamiento habitual en Hee-Jin y su madre, y el realizador, en un momento determinado de la conversación, emplea un encuadre casi cenital, que incluye a los dos hombres y la presencia visual de las ramas retorcidas de un árbol, y lo acompaña con un movimiento de grúa cuya intencionalidad es puramente atmosférica y enrarecedora), y su convincente dirección de actores, que consigue que el elenco en conjunto sea no solo eficaz en su cometido, sino una clara y continuista demostración (respecto al cine de sus compatriotas Bong Joon-ho o Park Chan-wook, entre otros menos conocidos) de que una de las más evidentes características del cine contemporáneo de Corea del Sur es la alternancia de tonos dramáticos serios con otros más humorísticos y/o irónicos: la misma situación que da pie al citado movimiento de grúa continua con una extraña conversación entre ambos hombres, hasta que el interrogado cambia súbitamente de tema (Hee-Jin y su madre), y saca a relucir algunas de sus violentas experiencias durante la guerra de Vietnam: la situación deviene al mismo tiempo humorística y inquietante.
No son estas las únicas ideas interesantes del film, que atesora otros momentos atractivos y convincentes, pero por desgracia Lee Yong-Joo malogra el resultado global de la película con unos 30-40 minutos finales enrevesados en exceso y que pretenden volver complicada una historia mucho más sencilla. De todos modos, Possessed también confirma otros de los temas estrella de la cinematografía coreana: la desestructuración familiar y la influencia de la religión católica en los ciudadanos del país.
Más interesante y sugerente, en su también imperfecto conjunto, me ha parecido Chatroom, producción del Reino Unido dirigida por el japonés Hideo Nakata (conocido sobre todo por los films The Ring y Dark Water), que navega por las procelosas y confusas aguas (todavía por explorar debidamente) de internet y las redes sociales, y los cambios que estos han propiciado en el comportamiento de los seres humanos, especialmente en los más jóvenes. Aunque todavía es muy pronto para evaluar el impacto real y definitivo de Facebook o Second Life en los seres humanos contemporáneos (es decir, en gran parte de los habitantes del planeta), Nakata tiene muy claro como enfocar una ficción claramente anclada en la realidad más reconocible por todos. Y es que, en verdad, lo más irreal de la propuesta deviene la estilizada visualización de las chatrooms que definen la respectivas personalidades de algunos personajes del film, por que muy real se me antoja el proceso de manipulación de Jim, un joven bastante desorientado y apocado (debido a un cruel acontecimiento de su pasado que le ha condicionado en su formación como adulto: su muy temprano abandono - de niño - en un parque a manos de su propio padre) a manos de William (otro joven no menos perdido que el anterior), quien pretende conducir conscientemente al primero hacia el suicidio para convertir luego el suceso en todo un significativo (y para el propio William casi trascendente) acontecimiento en la red de redes, que hoy por hoy ha devenido para muchas ciudadanos una especie de sustituto ritual de la iglesia. Los conflictos de identidad, la mentira, la conducta sexual desviada (un adolescente negro se siente atraído por la hermana de 11 años de un amigo suyo), los grupos de autoayuda, la confusión cada vez más abstracta y resbaladiza entre realidad y ficción, etc. convergen convincentemente en un film que logra de forma harto imaginativa sustituir lo que podría haber devenido una cansina acumulación de planos de manos tecleando en el ordenador conversaciones en chats (al fin y al cabo los cinco protagonistas del film se relacionan fundamentalmente a distancia) al visualizar mediante secuencias de corte irreal el impacto o las sensaciones que tienen las conversaciones del grupo en cada uno de los miembros del mismo, que pese a mantener las distancias parecen experimentar situaciones muy reales (al menos para ellos). Hideo Nakata emplea coherentemente iluminaciones opuestas para definir la cruda realidad individual de los jóvenes protagonistas (los planos que muestran a estos en sus respectivos entornos familiares tienden a la frialdad y/o suciedad visual) y la atractiva y chillonamente colorista (e irreal) experiencia común que mantienen los mismos. No son pocos los planos que delatan que en Nakata existe un realizador de notable talento: su uso del formato 1:85 (que el realizador emplea casi como si se tratará del más cuadrado 1:33) se revela una opción convincente a nivel visual, y permite al realizador sacar provecho de los múltiples primeros planos de los personajes (este es un film que busca sobre todo la tensión psicológica), que sostienen convincentemente los actores: desde los más conocidos Aaron Johnson (el kick-ass de la película homónima) y Imogen Poots (vista recientemente en Centurión), hasta los menos conocidos pero no inexpertos Matthew Beard, Hannah Murray y Daniel Kaluuya. Mención especial merecen planos como el que visualiza la aparición en la chatroom privada de William (bautizada con el nombre de Chelsea Girls, de ahí el equivoco que provoca) de un viejo pederasta que se hace pasar por una jovencita. William también se hará pasar momentáneamente por una menor de edad, para al instante expulsar al tipo de su espacio virtual. En otra ocurrente secuencia (que tampoco detallaremos aquí, pues merece la pena contemplar la solución visual surgida de la mente del realizador japonés), Nakata describe mediante un travelling lateral las diferentes (y muy extrañas) vivencias que tienen lugar simultáneamente en diversas chatrooms de la red: el movimiento de cámara finaliza al llegar a una chatroom en la que se encuentra Mo, el joven afroamericano que se siente atraído por la hermana de 11 años de su mejor amigo, intentando entablar una relación con un estropeada mujer de 50-60 años que ansía llevar a cabo con el jovencito algunas de sus fantasías sexuales nunca anteriormente consumadas. Solo puedo añadir que muy difícil me parecería que algún espectador del film no conociera en la vida real a personas similares a las expuestas en el film de Nakata, o que incluso el propio espectador hubiera llevada a cabo actos similares a los descritos en Chatroom. A su modo, el film de Nakata es un documental acerca de la relaciones humanas en la vida actual.
Y para terminar con la crónica del día de hoy, hablaremos de la francesa Captifs, dirigida por el debutante Yann Gozlan. Se trata de una previsible incursión en el terror duro galo que han popularizado films como Haute Tension, Frontière(s), Martyrs o A l´intérieur, y de la que ha surgido una muy extensa cantera de nuevos realizadores. Yann Gozlan parte de una premisa argumental mínima (tres voluntarios que ofrecen ayuda humanitaria en una Yugoslavia en guerra son secuestrados y encerrados por un grupo de desconocidos, que tienen la intención de extraerles los órganos para su consabido tráfico. Evidentemente, los tres intentarán con todas sus fuerzas e ingenio huir de sus captores). Si Captifs resulta totalmente predecible en su desarrollo argumental, merece la pena destacar la labor de Yann Gozlan, quien planifica y monta con esmero la película, cuyo balance global se encuentra indudablemente por encima de lo que ofrecen films similares rodados en Estados Unidos (a los que, por cierto, los mencionados films franceses imitan, aunque sea añadiendo de su propia cosecha una personalidad gala muy marcada).
Merece la pena destacar la refinada maldad de uno de los personajes del film: un doctor, cuyo cometido es mantener sanos a los tres capturados hasta el momento de extirparles los órganos, controla minuciosamente el pulso de estos cada vez que los revisa, lo que da pie a una inteligente secuencia posterior: Mathias (Eric Savin), uno de los presos, halla un manera de perforar la pared de su celda con la intención de desmontar una verja que le permitirá alcanzar el exterior. Mientras se encuentra enfrascado en tal labor, aparecen el médico y uno de sus captores, para una de sus inspecciones físicas rutinarias, y Mathias debe parar bruscamente lo que estaba haciendo y disimular, mientras el doctor le toma el pulso y se vuelve consciente (debido al marcado aceleramiento del corazón de Mathias) de que su presa oculta secretas intenciones. No desvelaré aquí como finaliza la situación. También elegante y atractivo resulta el plano cenital, que tiene lugar cercana la conclusión del film, que muestra a la única chica capturada huyendo por un campo de trigo junto a una niña también secuestrada. Quizá nada que no hayamos visto antes, pero filmado con convicción y mala leche, y, lo que es mejor, sin necesidad de recurrir a litros de sangre para impactar al espectador. Captifs ha sido la primera película de la jornada en suscitar aplausos de los espectadores: especialmente en los momentos más contundentes del film: así es, ha sido y será el público habitual de Sitges.
Crónica: Oscar Navales
DÍA 2, VIERNES 8 DE OCTUBRE
El segundo día de Festival, nos deparará por ejemplo, el estreno de la cinta española "Agnosia", dirigida por Eugenio Mira e interpretada por Eduardo Noriega, quienes estarán presentes en la rueda de prensa y photocall del film. Una de las películas más esperadas por un servidor es la cinta Mexicana "Somos lo que hay", un drama social teñido de canibalismo. "Rubber", "Tucker and Dale vs Evil" y "Hatchet II", pondrán la nota de humor y gore a este viernes con puertas al fin de semana, que tendrá su representación asiática con la película "Confessions" de Tetsuya Nakashima. Otros títulos para el día de hoy son: "The Door", "Primal" o "Notre Jour Viendra".
(La crónica del 2º día no estará disponible, disculpen las molestias...)
Photocall y Rueda de prensa del equipo de "Agonisa" Eugenio Mira / Eduardo Noriega / Barbara Goenaga / Félix Gómez / Antonio Trashorras
Photocall del equipo de "Lo más importante de la vida es no haber muerto" Pablo Martín Torrado / Olivier Pictet / Marian Aguilera / Mercè Montalà / Saskia Vischer
Photocall del equipo de "Life and Death of a Porno Gang", "Catfish", "8th Wonderland", "The Door" Mladen Djorjevic / Henry Joost / Ariel Schulman / Nicolas Alberny / Jean Mach / Anno Saul
DÍA 3, SÁBADO 9 DE OCTUBRE
Hoy 9 de Octubre, llegamos al tercer día y el primer fin de semana de Festival, donde podremos ver por ejemplo, la cinta española "Carne de Neón" de Paco Cabezas, con la presencia en rueda de prensa y photocall del director y los actores Macarena Gómez y Mario Casas. Hoy es el día de la esperada proyección de "La Casa Muda", cinta uruguaya del realizador Gustavo Hernández, que llega con las espectativas de ser la primera película rodada en una sola toma y con tan solo una cámara fotográfica. También podremos ver otra de las interesantes películas del Festival, "The Last Exorcism" de Daniel Stamm, que recupera una oscura historia de posesiones, que en esta ocasión, contiene secuencias grabadas cámara en mano. La francesa "Notre Jour Viendra" con Vincent Cassel, la japonesa "Confessions", "Frozen", "Afterlife" o "Damned By Dawn", son otros de los títulos que podrán verse hoy en el Festival de Sitges 2010.
Tras mi involuntaria ausencia del Festival de Sitges. ayer viernes día 8 y por motivos de salud, hoy he retomado el transcurso del mismo con nada menos que cuatro películas, que, todo hay que decirlo, han presentado una calidad general (y individual) bastante por debajo de lo visto la primera jornada del Festival; recordemos: Possessed, Chatroom y Captifs.
La primera de las películas del día ha sido El último exorcismo (The Last Exorcism, 2010, Daniel Stamm), coproducción entre Estados Unidos y Francia que pretende aprovechar de forma harto evidente el tirón comercial y crítico de películas como Rec, Monstruoso, The Blair Witch Project o Paranormal Activity, entre muchas otras menos conocidas. La película de Daniel Stamm se revela moderadamente inteligente y coherente durante apróximadamente 40 minutos de su hora y media de metraje, los cuales se erigen en una interesante visión del engaño estético y escenográfico que se esconde tras los supuestos exorcismos que practican no menos supuestos expertos en el tema alrededor del mundo...y con la supuesta supervisión directa del Vaticano. Evidentemente, nos encontramos ante un film que convierte a la cámara en mano en su única razón de ser formal: dicho sea de paso, esto no es, en principio, necesariamente bueno o malo. Un cámara y una reportera siguen al reverendo Cotton Marcus hasta una casa situada en un apartado pueblecito en plena América profunda, en cuyo interior se encuentran una chica supuestamente poseía por un demonio, su escéptico hermano, y el puritano padre de ambos. La razón principal por la que Cotton Marcus ha decidido revelar sus falsos exorcismos ante una cámara de televisión se encuentra en la muerte accidental por asfixia de un niño en un exorcismo erróneamente manejado por un compañero de profesión. Cotton siempre ha llevado a cabo su labor con profesionalidad, aún a sabiendas de la mentira en que se ve sustentada, por el placer personal de contemplar como, pese a todo, el simulacro terminaba por liberar a los supuestos poseídos de traumas mucho más terrenales: frecuentemente de tipo psicológico y/o psiquiátrico. Pero la muerte del pequeño le ha reportado frecuentes pesadillas en las que su propio hijo fallecía también víctima de un exorcismo. Como puede comprobarse, una interesante base argumental, convincentemente desarrollada durante la mitad de la cinta, que en su segunda mitad (y aquí no desvelaremos lo que tiene lugar en ella) se revela, sino desprovista de interés por completo, sí algo demasiado efectista en lo que a giros de guión se refiere, hasta llegar a unos planos finales francamente mediocres y deudores de cualquiera de los clímax dramáticos de cualquiera de las películas citadas al principio de este párrafo...y no digo nada más. Por supuesto, El último exorcismo tiene todavía más puntos débiles en su aspecto formal, y es que sustentar toda una película de hora y media en la fácil artimaña de la cámara en mano no tiene por que ser precisamente una buena idea artística sino se ve respaldada por un talento cinematográfico a la altura de las circunstancias. De todos modos, otro punto a destacar del film es la labor de su no muy extenso reparto: todos los actores están bien, y algunos, como Patrick Fabian (a cargo del reverendo Cotton Marcus) o Ashley Bell (a cargo de Nell Sweetzer, la adolescente poseída), realmente notables.
La segunda película de la jornada ha sido la española Carne de neón, segunda incursión de Paco Cabezas en el terreno del largometraje, tras Aparecidos (2007). La película se vende como una versión a la española del cine más reconocible (y olvidable) del inglés Guy Ritchie (artífice de Lock & Stock, Snatch: Cerdos y diamantes o Rocknrolla, entre otras), y eso mismo resulta ser: casi dos horas de continuo desmadre narrativo, con desfile constante por sus imágenes de chulos, prostitutas, policías de dudosa moral, jovencitas adolescentes dispuestas a follarse a todo el que pillen por delante, un travestí que quiere llevar a cabo una operación de cambio de sexo para poder devenir una gran estrella del porno, tipos de rudo aspecto que emplean la violencia de forma hiperbólica, etc. En fin, que los adeptos a este tipo de productos seguro que se sentirán inclinados a disfrutar desenfrenadamente con el cóctel propuesto por Cabezas. A los demás, sólo nos quedará reírnos en determinados momentos del film, el cual resulta pese a todo aceptablemente entretenido, y destacar la labor del actor Vicente Romero, verdaderamente sorprendente a cargo de su papel de Angelito.
La casa muda, debut en la dirección del uruguayo Gustavo Hernández, resulta un penosa incursión latinoaméricana en el terreno de los films de terror filmados cámara en mano (de nuevo hay que traer a colación films como Rec, Monstruoso, The Blair Witch Project o Paranormal Activity), aunque esta vez con una supuesta novedad añadida: gran parte de la película está filmada en un único, discutible y nada virtuoso plano-secuencia. Lo de discutible viene a cuenta por que algunos momentos del film podrían haber permitido cortes invisibles de montaje (algunos planos en negro, justificados argumentalmente por la casi nula iluminación que existe en la casa en la que tiene lugar casi toda la acción de la película, o algunos rápidos barridos de cámara hacia el final de la cinta) y lo poco destacado del pretencioso plano-secuencia que se permite Hernández por que este realizador todavía tiene mucho que aprender de los grandes maestros del cine en lo que a esta opción estética y narrativa se refiere: véanse sino (y escojo únicamente una obra de cada uno de ellos, no necesariamente la mejor) los grandes films de realizadores como Orson Welles (Sed de mal), Brian de Palma (Atrapado por su pasado), Andrei Tarkovsky (Nostalgia), Béla Tarr (El hombre de Londres), Theo Angelopoulos (La mirada de Ulises), o tantos otros a lo largo de la historia del cine. A su lado, Hernández y su película son la viva demostración del amateurismo cinematográfico. Como el propio realizador ha reconocido, su película es una producción minúscula, y los resultados artísticos de la misma también lo son. Al comparar al film de Hernández con algo más terrenal (y reciente), como por ejemplo la propia The Last Exorcism, tampoco sale precisamente muy bien parada la obra del uruguayo.
Por último, hablar brevemente de la robusta producción de artes marciales Legend of the fist: The return of Chen Zhen, dirigida por Andrew Lau. Se trata de nada menos que de una desbocada y cansina epopeya patriótica china en la que el héroe (o super-héroe) patrio, el Chen Zhen del título, interpretado por la estrella asiática Donnie Yen, se dedica a patear contundentemente culos y articulaciones de todo tipo del invasor japonés, y es que el film transcurre poco después de que China haya sido invadida por Japón en el transcurso de la Primera Guerra Mundial. El espectáculo, por momentos verdaderamente atroz y hiperbólico en su exagerada plasmación de las artes marciales, sólo podrá ser tomado en serio por espectadores algo cortos de mira, aunque hay que decir que el film también se toma demasiado en serio a si mismo en casi todo momento. En una secuencia del film, Chen Zhen, poco después de haber sido torturado por los japoneses, se batirá el solito con toda una escuela de guerreros del país invasor (docenas, puede que incluso cientos de adversarios), logrando salir ileso (como no) del enfrentamiento. Lo más misterioso del caso, y lo que me suscita dudas a nivel personal, es relativo al desmedido odio contra los japoneses que pone en solfa el film chino, y su posible significado a tantos años de distancia del conflicto bélico que sirve de marco histórico-narrativo al producto. Para el que quiera tener otra visión más madura de las diferencias entre chinos y japoneses (aunque esta vez durante la Segunda Guerra Mundial) recomiendo encarecidamente el visionado del film Ciudad de vida y muerte (Nanjing! Nanjing!), dirigido también por un realizador chino, Lu Chuan, con una visión más compleja de las cosas.
Crónica: Oscar Navales
